¿Quién fue el ícono del fauvismo?

Su vocación fue declarada cuando tenía 20 años. Víctima de un ataque de apendicitis, permaneció en el hospital donde pasó mucho tiempo. Para mantenerlo ocupado, su madre le regala una caja de pintura. Futuro notario, abandonó sus estudios de derecho y emprendió una carrera artística. Abandona su región natal para establecerse en París, donde planea asistir a la escuela de bellas artes. Fracasa, pero no se rinde, convencido de haber encontrado su destino. Con muchas ganas de aprender, se matriculó en la Escuela de Artes Decorativas y descubrió el dibujo. En 1895, el taller de Gustave Moreau finalmente le abrió sus puertas. El maestro animó a sus alumnos a pensar más allá de lo técnico y detectó en Matisse un deseo de “simplificar el arte”. Dedicó su carrera temprana a la pintura clásica de bodegones, antes de interesarse por los colores brillantes.

El surgimiento del fauvismo

En menos de diez años, Matisse se convirtió en padre de tres hijos. Su hija Marguerite, nacida en 1994, es fruto de su relación con su modelo Caroline Joblaud. Posteriormente se casó con Amélie Parayre, quien le dio dos hijos, Jean y Pierre. La familia se instaló en Córcega, tierra que inspiró al artista a pintar nada menos que medio centenar de cuadros. Su encuentro con Paul Signac, pintor puntillista, le permitió descubrir el sur de Francia. A su lado, creó una de sus obras emblemáticas “Lujo, calma y voluptuosidad”, que revela su atracción por los colores.

Fue en el verano de 1905, durante unas vacaciones en Collioure, cuando Matisse conoció al pintor André Derain. Amantes de las obras de colores intensos, los dos artistas son señalados y considerados escandalosos. Juntos crearon el fauvismo. Un movimiento atrevido, caracterizado por pinceladas texturizadas y tonalidades puras, que está revolucionando el mundo de la pintura. Creada en 1905, “La alegría de vivir”, una pieza emblemática de la colección Matisse, atrae a Pablo Picasso, impresionado por su libertad para crear. Los dos artistas nunca dejarán de competir entre sí a través de sus obras, creando una rivalidad decadente entre dos figuras del siglo XX.

Niza, ciudad de corazón

Después de pasar parte del invierno de 1916-1917 en Niza, Matisse decidió quedarse más tiempo en la Costa Azul, que consideraba un paraíso. En 1920, el famoso organizador del espectáculo, Serge Diaghilev, le pidió que imaginara el vestuario y los decorados para el ballet “Le Chant du rossignol”. El artista, que desea renovarse constantemente, acepta de buen grado este ejercicio, que le permite alejarse de su zona de confort y de sus habituales superficies planas. En 1924, Matisse se dedicó a la escultura con “Gran desnudo sentado”, un ejemplo de su estilo que combina arabescos y ángulos.

El “período de Niza” está marcado por su creación de naturalezas muertas, desnudos o incluso odaliscas, que percibe que no utilizan accesorios. En los años 30, un viaje a Estados Unidos y Tahití transformó su visión del espacio y lo inspiró a crear obras decorativas. A su regreso, trabajó en “The Dance” para el Doctor Albert Barnes, integrando sus nuevas ideas en proyectos ambiciosos.

En 1941, mientras enfrentaba un cáncer, Matisse innovó con la técnica del recorte de papel, creando composiciones vibrantes y dinámicas. También participó en el diseño de la Chapelle de Vence, donde combinó su talento como artista con el de arquitecto y diseñador, haciendo de este espacio un testimonio vivo de su búsqueda artística.

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Legado eterno

Matisse murió el 3 de noviembre de 1954 en Niza, pero la influencia del artista en el mundo del arte continúa. Redefinió los límites de la pintura con su audacia, su búsqueda de la simplificación y su uso innovador del color. Reconocido en vida, dejó su huella no sólo en sus contemporáneos, sino también en generaciones de artistas, tanto en Francia como en Estados Unidos. Figuras como Sam Francis y Andy Warhol han sido profundamente influenciadas por su trabajo, testimonio del impacto duradero de Matisse en el arte contemporáneo.