Respuestas para el bachillerato de filosofía – sector tecnología: “¿Es el artista dueño de su obra?”

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Introducción

Algunos artistas sólo crean en trance: así Rimbaud defendía la “perturbación razonada de todos los sentidos” para que el poeta se convierta ” vidente “, en la carta a Paul Demeny. El artista es entonces cualquier cosa menos un trabajador de la rima… Sin embargo, la versificación y la métrica eran para Rimbaud una cuestión de técnica y las dominaba perfectamente. ¿No había trabajado allí él, que ya a los diez años sabía escribir versos latinos perfectamente formados?

¿Es el arte, de hecho, una cuestión de maestría o de inspiración? ¿Hay que situarlo en el aspecto técnico, como un saber hacer, una habilidad adquirida? ¿O deberíamos pensar primero en el modelo de creación que proporciona existencia a partir de la nada? ex nihilo, sin saber cómo ni por qué? El arte se define originalmente como un saber hacer cercano al del artesano. Por tanto hablamos de “artesanía”. Pero el arte es más que la simple ejecución de una técnica según un saber adquirido a través de una larga lucha: la obra de arte no es estrictamente reproducible, implica algo más, algo estrictamente original. Es siempre y necesariamente una pieza única.

Según definimos el arte y la obra de un modo u otro, dibujamos el rostro del artista de otra manera: ¿es un técnico virtuoso, tan experto en el dominio de sus instrumentos de creación que la originalidad, por tanto, le es posible? ? ¿O es para él la ejecución técnica sólo un medio enteramente sujeto a una inspiración que la trasciende y la lleva? ¿Hay algo más en el artista que el artista mismo? ¿La obra excede, desde su concepción hasta su producción, a la persona que la crea?

1) El arte se basa en una pérdida de control: el artista no es un trabajador como los demás

En nuestras mentes contemporáneas, el arte se concibe primero como creación. Desde la Antigüedad ha prevalecido una concepción del artista como inspirado, en este caso por los dioses: así, el bardo de Homero es ciego porque ve lo que otros no ven. Ésta es una de las manifestaciones del poeta-vates, poeta-profeta, una figura del artista que recorrerá toda la historia de la literatura. A partir de entonces, la creación artística puede ser pensada según el modelo de la creación del mundo, demiúrgica: el artista es superpoderoso y puede ser venerado como a un dios, ya que es su portavoz como lo son las sibilas y la pitia de los templos. . El artista no tiene que controlar su obra, porque el arte no es obra: es una revelación y es un milagro.

El artista es tanto menos trabajador cuanto que puede llegar a ser brillante. Los románticos retomaron la definición del artista inspirado de la Antigüedad, representándolo torturado por su genio, como Víctor Hugo convertido en profeta de su tiempo en EL Castigos o Anna Akhmatova presentándose como guardia de seguridad de su época en su Réquiem. Pero el genio es etimológicamente el daimon que aconseja y dirige al ser humano desde dentro, como quien aconseja a Sócrates a nivel moral. El genio artístico es, pues, quien, según Kant, da a la naturaleza sus reglas: esta posición de voladizo le permite escapar del carácter restrictivo de las reglas, ya que decide sobre ellas pero no se somete a ellas. Es evidente que el artista no es un trabajador como los demás.

La técnica es, por tanto, secundaria en el arte concebido como creación y no como obra. Según Walter Benjamin, la obra de arte se caracteriza por su aura, que no puede ser reproducida por la tecnología. Una fotografía o imagen pixelada de una obra, incluso en alta definición, nunca reemplaza la experiencia de encontrarse cara a cara con esta obra. El artista es quien es capaz de lograr ese milagro de traer al mundo lo que no estaba.

De la misma manera que la obra trasciende a quien la recibe, se supone que la obra de arte trasciende a quien la crea. Este razonamiento por analogía parece válido; Sin embargo, puede resultar engañoso.

2) Pero el arte como obra requiere dominio, “al menos” técnico

De hecho, el genio artístico es más un mito que una realidad. Según Nietzsche, las palabras nos incitan a suponer que aquello que designan existe en realidad. Para los términos “artista” y “genio”, el malentendido es grande: no hay creación espontánea en el arte; El artista se define precisamente por el trabajo subterráneo, invisible, en cada momento. El artista es un gran trabajador cuyo esfuerzo pasa desapercibido y cuya historia no recuerda los borradores, los fracasos y las aproximaciones, sino que sólo elogia los aciertos. La exposición en el Louvre de dibujos preparatorios de las pinturas de Leonardo da Vinci junto con sus obras es, en este sentido, esclarecedora: no hay obra maestra sin trabajo preparatorio. Por tanto, es a costa de un efecto óptico que los artistas son calificados de brillantes, inspirados, abrumados por una fuerza superior a ellos.

Si hay un error en el razonamiento, también hay engaño. Esto es lo que George Sand denuncia en sus numerosas novelas protagonizadas por artistas: la figura del artista diletante, inspirado y alegre se opone a la del trabajador que, constantemente, vuelve a poner su trabajo en marcha, siguiendo la palabra de Boileau. Dentro consueloSand denuncia así la figura de Anzoleto, un cantante talentoso pero frívolo, cuyo talento se desgasta al no ser trabajado. De hecho, la música es un arte en el que la improvisación sólo puede desplegarse a costa de un duro trabajo diario, tanto en su interpretación como en su composición.

En este sentido, el dominio técnico es esencial para la creación artística y es un requisito previo. Pero el control del tiempo y de los medios es igualmente importante. Asimismo, Virginia Woolf, en Una habitación propia, pide un espacio íntimo y reservado para las mujeres que deseen dedicarse a una actividad intelectual o artística. Este lugar de retiro debe entenderse literal y figuradamente: tal espacio debe ser también mental; para crear es necesario tener el espacio en términos de disponibilidad mental, para poder liberarse de las preocupaciones de la vida cotidiana. El artista, para crear su Obra, debe ser dueño de sí mismo y de sus condiciones de trabajo.

Así, el arte es ante todo una obra, y sólo a costa de la construcción de un mito se ha pensado su producción como una creación.

3) En definitiva, la maestría que caracteriza al arte debe buscarse en otro lugar que no sea el virtuosismo técnico: el trabajo del artista es plural y colaborativo.

Porque si el arte requiere ante todo dominio técnico es porque no es tanto una creación, según el modelo divino, sino una producción. Este es el término utilizado por Aristóteles en su Poético : “poético” proviene del término griego poian, que significa “producir, fabricar”. El trabajo artístico es un trabajo de fabricación que requiere el dominio de sus herramientas, de su técnica, de sus condiciones de ejercicio. Esto abre así el camino a la colaboración artística: efectivamente hubo numerosos talleres de artistas de pintura, mosaico y escultura durante el Renacimiento, pero también antes y después de este período. Por lo tanto, atribuimos ciertos cuadros a la “escuela de Rembrandt”, por ejemplo, cuando falta la firma del maestro o cuando no hay nada que confirme que tuvo su mano sobre ellos.

Si sigue habiendo una diferencia entre el estudio, las obras colaborativas y las obras maestras, es que sigue habiendo una “alma extra”, como defiende Bergson, propio de la obra de arte. Esto no implica que el artista sea más que humano, sino que su talento y el desarrollo de su talento, así como la intensidad y la conducta de su trabajo, se afirman particularmente. En este sentido, se trata de un trabajo más colaborativo que el del arte, ya que muchos artistas ven su trabajo controlado y corregido por terceros: los escritores han hecho leer su producción en círculos y salones desde, al menos desde el Renacimiento, y por sus editor hoy; El cine es un ejemplo especialmente revelador a este respecto, porque no hay obra cinematográfica sin equipo de filmación, guionista, actores, actrices, etc. El artista no es dueño de su obra a todos los niveles porque la obra de arte es siempre resultado de la colaboración y supone apertura.

Finalmente, el carácter particular de la obra artística se manifiesta también en la falta de control sobre su recepción. Lo que también define la obra de arte es que resuena con mucha fuerza, y a veces de manera muy diferente, de un individuo a otro. Umberto Eco desarrolla el análisis en La obra abierta : ciertas obras se caracterizan por su apertura, por la pluralidad de interpretaciones que favorecen y autorizan. Este proceso de participación en el significado de la obra también se manifiesta en creaciones como la Fuente de Marcel Duchamp: ¿cómo es que mi mirada sobre un objeto lo convierte en obra? ¿O es su ubicación en un museo lo que le otorga el sello de arte?

En todos los casos, el artista no tiene completamente el control de su obra: desde su concepción hasta su recepción, pasando por su producción, comparte esta obra con otros. La obra de arte es una obra abierta.

Conclusión

El artista es siempre un técnico; aunque a veces puede abandonar su técnica, sólo podrá hacerlo cuando la haya dominado lo suficiente. Pablo Picasso abandonó así su excelencia en el dibujo figurativo para probar suerte en el cubismo con el Damas de Aviñón. Pero si el arte es en parte fruto del trabajo, también es algo más difícil de definir; Sin embargo, si el efecto producido por la obra excede al público, esto no significa que el propio artista no sea dueño de lo que crea, ya sea en su técnica o en su proyecto. Lo que se le escapa de su obra es su recepción, su futuro, la forma en que su obra resonará en el mundo. En este sentido, es significativa la evolución del mecenazgo de la creación artística a través del crowdfunding: ¿y si el arte del mañana fuera aquel en el que todos participáramos sin que nadie fuera responsable de él?

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