A lo largo de 70 años y con importantes roles como músico, compositor, productor, arreglista, empresario y más, la carrera de Quincy Jones en la música no tiene paralelo.
Jones – “Q” para amigos y colaboradores, que murió el domingo por la noche a la edad de 91 años – revolucionó la forma en que el público de todo el mundo escuchaba la música popular al borrar las fronteras de los géneros mientras tocaba con el espíritu libre de los sonidos del jazz de sus inicios. Un oído para colaboraciones únicas, una excelente maestría musical, técnicas de estudio audaces y una integración innovadora de sonidos latinos y africanos en el pop, son solo algunos de sus logros.
Aquí están 15 de los momentos más memorables de su increíble carrera:
Quincy Jones – “El blues de Boo” (1957)
El primer álbum de larga duración de Jones como líder de banda, director y arreglista (aún no como productor, ese era el trabajo de Creed Taylor), “This is How I Feel About Jazz”, es un modelo inmediato para toda la carrera de Q. En su brillante y voluble composición “Boo’s Blues”, Q mostró su predilección por superponer limpiamente instrumentos de jazz tradicionales con algunos de los mejores artistas de sesión de la época, incluidos el bajista Charles Mingus, el flautista Herbie Mann y el saxofonista alto Phil Woods. Jones también reinterpretó fríamente un género, el blues, como algo furtivo y sofisticado. Este tipo de deconstrucción idiomática y sonido nítido se convirtió en un sello distintivo del trabajo de Jones a partir de ese momento.
Ray Charles – “Un julepe de menta” (1961)
Mientras que el sabroso arreglo de Jones del blues de Bobby Timmons tocando “Moanin’” para su amigo Ray es otro ejemplo de su sonido que cambia de género, “One Mint Julep” lleva la fiesta un paso más allá. Ambas pistas provienen del clásico de big band de Charles “Genius + Soul = Jazz”. Pero en “Julep”, Jones aumenta la temperatura del vibrante órgano Hammond B3 de Charles, ilumina la sección de metales (que incluye al trompetista Clark Terry y al trombonista Jimmy Cleveland) y le da a la pista un ritmo de cha-cha-cha, cortesía del baterista Roy Haynes. . “One Mint Julep” alcanzó el número 1 en la lista de R&B y el número 8 en la lista de pop de Billboard.
Dinah Washington – “Loco por el niño” (1961)
Escrita por Noël Coward a principios de la década de 1930, la interpretación del deseo a distancia de la vocalista de jazz Dinah Washington fue producida y arreglada por Jones e interpretada por su orquesta como algo más lento y más hirviendo que su habitual compás de 4/4. Con el ritmo de Jones a un 6/8, las intenciones de Washington se volvieron más malas que “Mad”, y la producción encordada y estilo lounge tiene una vibra dulcemente sensual. Quincy pasó a organizar y producir a titanes como Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn y Peggy Lee, pero Dinah empezó todo. Qué diferencia puede hacer un cambio de ritmo…
Quincy Jones – “Alma Bossa Nova” (1962)
La fría Navidad de 1962 se volvió más apasionante cuando Jones compuso y produjo esta sexy canción para su álbum “Big Band Bossa Nova” y su versión consciente de las tendencias de la suave síncopa brasileña. Lo que hace que la versión de Jones de la bossa nova sea especial para su sonido es su uso habitual de músicos de jazz de primer nivel (Lalo Schifrin toca el piano, Rahsaan Roland Kirk toca la flauta) y un cuíca proporcionando esa “risita” característica al comienzo de la canción. Por supuesto, Mike Myers también recibe crédito en la cultura pop por llevar el tema de Jones al siglo XXI con su uso como tema de apertura de “Austin Powers: International Man of Mystery” (después del éxito de 1990 de Dream Warriors, “My Definición of a Boombastic Jazz Style”, que lo sampleó en gran medida).
Lesley Gore, “Es mi fiesta” (1963)
Aferrándose a su amor por la percusión latina y los metales calientes, Jones, quien no sólo produjo la canción sino que también contrató a Gore, de 16 años, para Mercury Records, creó uno de los éxitos adolescentes más angustiosos del pop. Con su voz de doble pista, ritmo de palmas, cambios de acordes extravagantes, metales agresivos y melodía contagiosa, “It’s My Party” supera el muro de sonido del grupo femenino de Phil Spector en su apogeo comercial.
Quincy Jones – “El prestamista: título principal” (1964)
Amplificando la cruda historia del director de cine Sidney Lumet sobre un hombre que intenta escapar de sus horrores mientras está encarcelado en un campo nazi, el compositor y arreglista novato Jones aplastó sus acordes mayores habituales y su brillante jazz metálico para lograr algo apagado, temperamental, en tono menor e impresionista. . Lo más notable dentro del tema de Jones es el uso del vibráfono frente a las melancólicas cuerdas de su orquesta.
Quincy Jones – “Lo tienes, chica mala” (1973)
Cuando Quincy Jones consiguió el funk en su álbum “You’ve Got It Bad Girl”, lo entendió (lo siento) mal: todo el disco está lleno de R&B obsceno, lleno de ritmos ajustados y melodías melifluas. Primero, hizo que el soul de los años 60 de Lovin’ Spoonful, “Summer in the City”, fuera menos sucio que divinizado, ralentizándolo, relajándolo y dando la bienvenida al más ligero de los órganos Hammond y la melosa voz de Valerie Simpson al proceso. Si bien la introducción de esta canción fue sampleada por Eminem and the Roots, “The Streetbeater” tiene una esfera de influencia completamente diferente. Más conocido como el tema principal del programa de televisión de la NBC de Redd Foxx, “Sanford and Son”, Jones impulsa la atrevida armónica de Toots Thielemans, el piano eléctrico de Dave Grusin y más cencerros que la personificación de Blue Oyster Cult de Will Ferrell hasta la estratosfera de la banda sonora. Alguien, por favor remasterice y relanze “You Got It Bad Girl” lo antes posible.
Quincy Jones – “Calor corporal” (1974)
Jones se abrió camino con éxito más allá del funk soleado y hacia la noche de blues del romanticismo de tormenta tranquila con este álbum de 1974 y su sensual canción principal. En lugar de optar por el tono punteado y ciruela del bajo R&B de los años 70, Jones dio la bienvenida a su viejo amigo, el bajista de jazz Ray Brown, al espectáculo y le dio a esta dulce balada negra un ritmo fluido y un ritmo de baile lento. Los vocalistas Bruce Fisher y Leon Ware también le dieron al líquido “Body Heat” una dosis ronca de machismo fuerte y susurros sobrecalentados.
Los hermanos Johnson – “Carta Fresa #23” (1977)
Cuando los hermanos Louis (bajo) y George Johnson (guitarra) trabajaron en los demos de Taka Boom, la hermana de Chaka Khan, seguramente nunca se dieron cuenta de lo que vendría después cuando esos temas llegaran a Quincy Jones. No firmó con Boom, pero trajo a los hermanos para tocar en su banda sonora de la miniserie de ABC TV “Roots”, les dio la bienvenida a su banda de gira y luego produjo su álbum debut de 1976, “Look Out For #1”. Ese clásico perdido es divertido, pero “Right on Time” de 1977 es mejor, especialmente con la inclusión de la centelleante “Strawberry Letter #23”. En lugar de endulzar el casi éxito de Shuggie Otis, el productor Jones mantiene “23” áspero, complejo y galopante hasta su bajo pavoneándose, agregando magia con voces de fondo celestiales y un solo de guitarra psicodélico del gran jazz Lee Ritenour.
Diana Ross, Michael Jackson, Nipsey Russell y Ted Ross – “Un nuevo día” (1978)
El productor Jones y Scarecrow Jackson pueden haber sentado las bases para un éxito multiplatino inimaginable mientras trabajaban juntos en el musical de 1978 de Sidney Lumet “The Wiz”, pero la canción más cinematográfica de su larga y funky banda sonora fue escrita por Luther Vandross. Aquí, en modo de celebración post-disco, la canción épica de Vandross y la brillante producción llena de trompa francesa de Jones le dan a esta canción de camino de ladrillos amarillos un toque de oro macizo.
Michael Jackson – “No puedo evitarlo” (1979)
Destacar canciones del brillante trabajo de Jones con Michael Jackson es una tarea ingrata, pero aquí evitaremos las opciones obvias. De manera similar a la ya mencionada “A Brand New Day”, Jones trae a un vocalista y compositor cuyos puentes y suspiros tienen una sensación característica conectada con su autor (el jazz sutil y complicado de Stevie Wonder, esos acordes redondeados y su dulce ascensión) y luego deja que Michael Jackson se vuelve silenciosamente loco en cada verso. Es el lado más lento y alegre de “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”, pero con el mismo tipo de insistencia sensual. Jones proporciona una línea de sintetizador gomosa, mientras Michael respira pesadamente, chirría, chilla e hipo para el deleite del alma.
Quincy Jones – “Ai No Corrida” (1981)
El álbum solista de Jones de 1981, “The Dude”, hizo mucho, incluida la transformación del vocalista James Ingram en una sensación del canto soul elegante y de garganta profunda de la década de 1980 con grandes baladas como “One Hundred Ways” y “Just Once”. Pero “Ai No Corrdia” llega a las firmas iniciales de Jones de metales de jazz punzante y percusión latina monstruosa y, esta vez, con una melodía irresistible escrita por Chaz Jankel, el británico que tocó la guitarra para Ian Dury and the Blockheads y también co- Escribió “Sex & Drugs & Rock & Roll” y “Hit Me with Your Rhythm Stick” con Dury.
Michael Jackson – “Billie Jean” (1982)
Del álbum solista más vendido de todos los tiempos, “Thriller”, el primer sencillo de ritmo medio escrito por Jackson, no atrajo a su productor al principio, debido a su larga y anticipatoria introducción de batería y bajo. Evidentemente, le convenció.
Quincy Jones, Ray Charles y Chaka Khan – “Seré bueno contigo” (1989)
El álbum “Back on the Block” de Jones de 1989 pretendía ser una mirada multigénero a quién había sido (y en qué se estaba convirtiendo) Q después de décadas en el negocio de la música, con todos, desde Big Daddy Kane hasta Ella Fitzgerald tocando con su mentor en temas tocados por el hip-hop moderno y el New Jack Swing. Deje que el amigo mayor de Jones, Ray Charles, con una deliciosa ayuda de Chaka Khan, moldee un éxito de R&B escandalosamente vivaz a partir de una canción escrita por los hermanos Johnson. Como recompensa por esta mezcla de musicalidad, “Back on the Block” ganó el premio Grammy al Álbum del Año en 1991.
Queen Latifah, Nancy Wilson y Töne Löc – “Cool Joe, Mean Joe (Killer Joe)” (1995)
El álbum de artista de Jones de 1995, “Q’s Jook Joint”, tiene una sensación similar a “Back on the Block”, pero aprovecha más las raíces del productor en el jazz y el bop. Qué mejor manera de celebrar ese regreso que reconfigurar el himno nacional del bop, “Killer Joe” de Benny Golson, en un tema de hip hop de big band rico en melodías, completo con la divina Nancy Wilson, el brusco Töne Löc y el La propia reina. Es Q en su forma más magistral en la última etapa de su vida.
