Noruega está en shock. Y con razón: en primer lugar, ya habíamos robado un Cri (la versión de la Galería Nacional de Oslo) en 1994, durante los Juegos Olímpicos de Lillehammer. Los ladrones habían dejado un post-it embarazoso: “Gracias por la falta de vigilancia.“. La pintura se recuperó unos meses después, pero todavía hay mucho desorden.
Especialmente porque si el grito Es una obra del corazón para los noruegos, que ven en ella la modestia escandinava a la hora de expresar sentimientos, la obra también tiene un aura global. ¿Quién no cree tener esta imagen en sus ojos (“eh, no se de que cuadro te refieres?“) basta con mirar más de cerca el emoji de “miedo” en su teléfono inteligente, cuyo rostro está tomado de la obra más famosa de Edward Munch. Cri, de las cuales realizó cinco interpretaciones en total, también inspiró la expresión horrorizada de Macaulay Culkin en el cartel de Mamá, perdí el avión. o la aterradora máscara de loco de Gritar. Y eso sin contar el número de incalculables objetos derivados sobre los cuales pudimos “contemplarlo”, desde la alfombrilla del ratón hasta el mantel plastificado, pasando por los cojines, los calcetines y la falda, hasta finalmente la corbata chillona cuyo evento de exhibición debe debe elegirse con cuidado, porque el tema representado no es la luz.
Pintura de depresión
Edward Munch pintó su primera versión de Cri en 1893, visible en la Galería Nacional de Oslo, cuando atravesaba un profundo episodio depresivo. La obra representa a un hombre con rostro fantasmal presa del miedo, en un escenario exterior formado por superficies planas resplandecientes. El protagonista parece aislado, a pesar de las figuras del fondo, al otro lado de un puente. También podemos identificar los lugares. Este es el puerto de Oslo visto desde la colina Ekeberg. Esta imagen se puede comparar con un hecho narrado por el propio artista. “Estaba caminando por un sendero con dos amigos, el sol se estaba poniendo, de repente el cielo se puso rojo sangre. Me detuve, cansado, y me apoyé en una valla – había sangre y lenguas de fuego sobre el fiordo negro azulado de la ciudad – mis amigos continuaron, y yo quedé allí, temblando de ansiedad – sentí un grito infinito que atravesó el universo y que desgarró la naturaleza.
Munch quería pintar su vida, la exposición en Beaubourg
Este extracto del diario nos permite comprender algo fundamental que muchas veces falta al leer esta obra por primera vez. No es el propio artista/protagonista quien grita, sino la naturaleza que lo rodea. Así lo confirma el primer título de la obra que fue El grito de la naturaleza. Y si los rasgos de la figura del personaje parecen haber sido tomados por el artista de una momia peruana que vio en 1889 durante la Exposición Universal de París, en cambio, el momento representado, la potencia de los colores, la La fuerza de la línea, este cielo irradiado, podría referirse a la erupción volcánica de la montaña indonesia Krakatoa en 1883, cuyas consecuencias meteorológicas alcanzaron hasta los cielos de Europa en aquella época.
Pero en última instancia, el grito, Incluso en la versión en blanco y negro de la actual exposición en el Palazzo Reale de Milán, quizás más modesta, se expresan los espasmos del pintor. Esto no es insignificante si consideramos a Edward Munch como uno de los precursores del expresionismo en la pintura, cercano a Van Gogh y Gauguin. Este aullido silencioso por la angustia de un fin que nos supera; Esta oscura melancolía del ser humano son los temas que han irrigado la obra del noruego desde que, a los 16 años, decidió que sería pintor. Su proyecto que inició muy pronto, Friso de la vida, pretende mostrar los estados de ánimo de su existencia.
Proveniente de una familia excesivamente puritana (su padre, un médico militar muy religioso, se había vuelto casi loco de intolerancia, dijo), Munch experimentó la enfermedad y su corolario, la muerte, a una edad muy temprana. Su madre murió de tuberculosis cuando él sólo tenía cinco años. Ocho años después, su hermana Sophie murió de la misma enfermedad que dio origen al cuadro. El niño enfermo, pintado en 1885.
Por lo tanto, desde muy temprano, Munch quiso retratar los sentimientos que lo invadían, para compartir con el espectador las dificultades del ser. Un estilo vanguardista para su época, que inicialmente genera desconfianza, incluso disgusto, respecto a su obra. cuando la mesa el grito se mostró por primera vez al público en 1895, todavía no se hablaba de salud mental. La visión de Munch resulta inquietante, hasta el punto que un estudiante de medicina sugiere que el pintor debió tener un problema psicológico. Además, si miramos el lienzo, encontramos esta mención: “Sólo puede haber sido pintado por un loco”, añadida por el propio Munch, a posteriori de la recepción de su obra.
La policía noruega, no tan loca, consiguió hacerse con los Munches robados en agosto de 2006. Más miedo que daño.
⇒”Munch, el grito interior”, en el Palazzo Reale de Milán, hasta el 26 de enero. Información: https://www.palazzorealemilano.it
⇒”Munch Portraits”, en la National Gallery de Londres, a partir del 13 de marzo. Información: https://www.npg.org.uk
¡El Grito cuesta dinero!
En 2012, un multimillonario estadounidense adquirió $119 millones (91 millones de euros) una versión de Cri en pasteles sobre cartón. Apenas faltan 12 minutos para alcanzar este récord de ventas en Sodeby’s. El hecho de que las otras tres versiones del Grito se encuentren en el museo, por tanto, son inaccesibles para los coleccionistas. explica un precio de compra tan excepcional. El coleccionista no podía dejar pasar el asunto.
Todavía en Milán: Eva Jospin en Max Mara
La artista Eva Jospin (París, 1975), que ya había seducido al director artístico de la casa de lujo Dior que le había encargado la decoración de un desfile de alta costura, habrá vuelto a triunfar en un concurso impulsado por la colección Maramotti. . Esta es su obra titulada Microclima que ahora se encuentra en lo alto de la Piazza del Liberty de Milán, bajo el techo de cristal de la boutique Max Mara.
El escultor francés, que hizo del cartón su material favorito, imaginó para estos lugares toda una vegetación exuberante que parece florecer al abrigo de un invernadero. Plantas curiosas, lianas, hojas enormes bajo las que nos cobijamos, y cuyo aspecto de cartón olvidamos rápidamente.
Pero ojo, el título de la obra nos hace cosquillas: Microclima ¿Nos recuerda la fragilidad de las construcciones humanas, en este caso un invernadero que cree rodear la naturaleza? Mientras que la naturaleza no acepta dejarse encerrar por muros. No hay angelismo estético en esta propuesta que, sin embargo, no deja de desafiar con la sensación de inmersión en otro mundo que crea. También hay que decir que Eva Jospin trabajó con el perfumista Julien Rasquinet que buscó restaurar la huella olfativa de un invernadero tropical, para perfeccionar esta sensación de entrar en un universo singular, entre recuerdos y proyecciones mentales. Eva Jospin explica: “En cierto momento, fue como si estas arquitecturas naturales, estas “puertas de roca”, estas entradas a mundos desconocidos, se hubieran convertido en una obsesión. Y en esta obsesión, la naturaleza se convierte en un misterio que envuelve al hombre en una espacialidad asombrosa. Era la idea de cruzar el umbral de otra dimensión.“. (AV, en Milán)
