Muerte de Frank Stella, el pintor-escultor más espectacular

Uno de los últimos gigantes del arte de posguerra en Estados Unidos ya no existe. Apenas más de un mes después de la muerte del monumental escultor de acero corten, Richard Serra, el 26 de marzo a la edad de 85 años, otro monumento americano de la posguerra desaparece para entrar en los libros de historia del arte. Frank Stella es el pintor y escultor estadounidense cuyos altísimos formatos triunfan en el MoMA (Museo de Arte Moderno), que le ofreció una retrospectiva en 1970, convirtiéndose en el artista más joven así celebrado, y le dedicó un total de 73 exposiciones. El Whitney Museum de Nueva York le dedicó una planta entera para su espectacular retrospectiva de 2015. Está en majestuosidad en el Guggenheim de Nueva York y Bilbao, en el Kunstmuseum de Basilea y en el Ludwig Museum de Colonia.

El hombre que inició su larga y prolífica carrera con sus primeras obras muy minimalistas, las que se disputan museos y coleccionistas privados, el artista de artistas, falleció a los 87 años, en su casa de Manhattan, víctima de un linfoma, informó noche New York Times. Frank Stella se acercó a los 88 años. Era una leyenda neoyorquina, como el edificio Van Tassell and Kearney Horse Auction Mart en el East Village que le sirvió de estudio de 1978 a 2005, antes de trasladarse al de Newburgh, al norte de Nueva York.

Nacido en Maiden el 12 de mayo de 1936 en Massachusetts, de padres venidos de Italia, este mayor de tres hermanos estudió en la Academia Phillips, se formó con el pintor abstracto Patrick Morgan y fue presentado desde muy joven por el pintor Stephen Greene y el arte. el historiador William Seitz, en el escenario de Nueva York. Influenciado por el expresionismo abstracto, el movimiento estadounidense de posguerra que arrasó con la idea de realismo, tomó el camino de la abstracción y el minimalismo con sus primeras “Pinturas Negras” (El matrimonio de la razón y la miseria, II, 1959, el negro del cuadro resaltado por una línea de luz que dibuja un laberinto). Realizados con pintura industrial, desdibujaron la idea de geometría alternando bandas pintadas y espacios en el lienzo dejados en blanco. Hoy son piezas de museos, desde Nueva York hasta Basilea, desde Londres hasta Ámsterdam.

Este fumador de puros de oscuro encanto habría tenido su lugar en la trilogía de Padrino por Francis Ford Coppola, ya que era un hombre concentrado con encanto italoamericano. Hombre de acción, hombre de pocas palabras, de respuestas fácilmente sarcásticas, era el prototipo del artista feroz, aunque adorado por coleccionistas e instituciones que organizaban veladas ultra VIP en Manhattan de las que era el Júpiter. Este artista, reconocido muy pronto, rechazó los intentos de interpretación de su obra por parte de la crítica estadounidense. En 1961 afirmó -entre la provocación y una forma de acortar cualquier glosa- que un cuadro era sólo una “superficie plana con pintura”.

“En 1959, el estadounidense Frank Stella (nacido en 1936), que entonces tenía apenas veinte años, conquistó de la noche a la mañana la escena artística neoyorquina. Revolucionó la pintura abstracta gracias a su Pinturas Negras hecho en el mismo año – uno de ellos Castillo del Morro Ahora forma parte de la colección Basel.subraya el Kunstmuseum Basel durante la exposición de sus colecciones, en el verano de 2015, en « Frank Stella – Pinturas y dibujos» en el Museo für Gegenwartskunst. “Stella renuncia a cualquier noción de espacio y profundidad, de modo que forma y contenido se vuelven inseparables. Subraya así la planicidad del lienzo y su carácter de objeto pictórico. Stella se afirma como una de las representantes de esta primera generación de artistas que consideraban la pintura abstracta como una opción obvia. Según él, la abstracción constituía incluso la única manera de practicar la pintura con ambición en la posguerra.

Ilusión óptica de sus franjas alternas.

“Siguiendo estos “pinturas negras” de 1959, Stella desarrolló en los años 1960 el Lienzos con formas que suponen una progresión decisiva en su concepción de la pintura. Los contornos de estas pinturas dialogan con el espacio interior, lo que crea una correspondencia sin precedentes entre la pintura y la forma del marco., analiza el gran museo suizo. La gran retrospectiva de 100 obras desde los años 50, que el Museo Whitney de Nueva York le dedicó en el invierno de 2015, mostró cómo su pintura se convirtió en escultura: primero mediante la ilusión óptica de sus franjas alternas, en blanco y negro, luego en colores. , por el juego de repetición de motivos que se oponen a estos dos tipos de paletas, luego por el formato, a veces enorme, luego por el juego de formas, cada vez más complejas, que se escapaban del cuadro como una furiosa animación en 3D.

El más espectacular de los pintores-escultores, defendido siempre en París por el galerista Daniel Templon, ha conquistado así los museos (un enorme cuadro multicolor en el Kunstmuseum de Basilea, en la parte subterránea que conecta el Haupbau con el Neubau), pero también los privados. colecciones como esta de Philippe Austruy en la Commanderie de Peyrassol (Tengan-Tenganan, 2009, escultura escarlata entre la vela del barco y la estrella celeste en tubos de fibra de vidrio y acero inoxidable, 317 x 670 x 91 cm). Y, por supuesto, el de su amigo Bernar Venet, que le dio fama en su Fundación Venet de Le Muy, cerca de Fréjus, y donde encargó un pabellón a medida que combina arquitectura y pintura XXL. Todo al aire (casi) libre.

“Conocí a Frank Stella en 1966 durante mi primer viaje a Nueva York, mientras vivía en el estudio de Frank Stella.armán justo encima del suyo en Walker Street.Confiado Fígaro Bernar Venet, profundamente disgustado. “Pero no fue hasta principios de la década de 2000 que comenzamos una relación verdaderamente amistosa. A pesar de su amabilidad y disponibilidad hacia mí, Frank siempre me intimidó y siempre me acerqué a él con inmenso respeto. Sabía que tenía ante mí a un gigante del más alto nivel en la historia del arte, era el modelo absoluto de lo que debe hacer un artista, que es cuestionarse constantemente lo adquirido y no creer que lo que hemos creado es suficiente. Frank tuvo el cerebro de un artista de 25 años hasta el final”.

“Cada año de su inmensa trayectoria nos ha permitido descubrir nuevas propuestas formales, siempre en una dinámica de renovación permanente. Ningún artista de su generación experimentó este heroísmo constante y cada arrebato de Frank fue una sorpresa para todos.subraya Bernar Venet, el coleccionista visceral que no pudo resistir su fascinación por Frank Stella, aunque eso significara rozar lo irrazonable. “Él lo padeció y hablamos varias veces juntos sobre la resistencia del público a sus obras durante los últimos treinta años. No se entendía cómo una obra tan sobria y plana como sus primeras pinturas negras podía transformarse, cada año más, en relieves excesivos y poderosamente coloreados. Su enfoque típicamente formalista era el de un investigador insatisfecho, convencido de que el campo de posibilidades es infinito, mucho mayor que todo lo que se ha pensado y producido hasta nuestro tiempo.

Los artistas son los que mejor hablan de artistas. “Su influencia en los artistas del arte minimalista es hoy reconocida históricamente. Y añadiría que su influencia en una nueva generación, orientada hacia una abstracción excesiva y cada vez más compleja, es evidente. Dijo de sí mismo para desafiar los comentarios de algunos que no entendían su infidelidad a sus primeras obras minimalistas: “Soy maximalista”. Nuestra percepción incrédula de su trabajo reciente es similar a la de las personas que descubrieron arte abstracto por primera vez a principios del siglo XX. Frank siempre iba un paso por delante de todos nosotros y estábamos ciegos a sus pinturas en relieve que perturbaban demasiado nuestra sensibilidad. Nos acaba de dejar un gigante. El tiempo y nuestra adaptación a su obra reciente nos demostrarán la inmensidad de una producción artística a la altura de las más grandes”.