[Compte-rendu] Festival de Cine de Arras 2024: DÍA 2. Charleroi y Nueva York: torpes y equilibristas están en un barco.

Apenas recuperado de (DJ) Francis. Un café. Está gris, durante unas horas más, en Arras. Apenas ha comenzado la mañana cuando nos sumergimos en la oscuridad del mundo, con un adelanto anticipado.

• Fabrice du Welz – “El expediente Maldoror” (vista previa)

Charleroi, años 90. Las jóvenes desaparecen. Sin rastro, sin rastro. Y la policía que actúa jugando con la impermeabilidad entre los servicios. El caso se estanca. Paul Chartier, un joven gendarme idealista con una infancia problemática, poco a poco se obsesiona con el caso y se une a la Operación Maldoror, encargada de seguir al principal sospechoso.

La nueva película de Farbice du Welz intriga desde el principio: por su duración (casi 2 horas y 40 minutos) y por su tema. El del mal absoluto, trauma de todo un país. El asunto Dutroux, del que du Welz, lejos de simplemente “inspirarse”, reproduce imágenes traumáticas en la atmósfera pegajosa que le caracteriza.

Y hay que decir que, más allá de sus influencias más o menos abrumadoras y más o menos bien digeridas (el matrimonio que recuerda a El Padrino o El cazador, la obsesión estilo Zodiac, La matanza de Texas, etc.), la película impresiona.

Por la interpretación intensa, certera y tensa del increíble Anthony Bajon (sin duda uno de los más grandes de su generación), por su universo abrumador y lúgubre, el de Charleroi y sus suburbios, filmado como una línea insuperable y una jaula gris y plana. , como si el mal viniera a encarnarse en el silencio de este rincón ruinoso de Bélgica, como si en esta región ya devastada, ya en decadencia, “inevitablemente” pudiera nacer un monstruo.

Sin embargo, muy rápidamente el proyecto traicionó su horizonte inicial. A trazos dispares y perdonables, luego más francamente, carga su escenario y sus personajes con travesuras inútiles y arquetípicas, sacadas de un bestiario de serie B: el superior jerárquico de la cicatriz y el parche, las explosiones de basura, el papel de Jacky Berroyer. peluca, la señora madre de un burdel en los años 1930, las bengalas blancas de la madre sufrida (Isabelle Dalle, parecida a ella), la rupturas de tono fílmico, tentaciones hollywoodenses (con asesinos con armas automáticas) o de terror (la escena del cerdo, la casa del terror al estilo Tobe Hooper o la tendencia beatnik degenerada de Charles Manson), etc.

Esta tentación de lo grotesco y de la gloubiboulga se encarna en su forma más terrible en el personaje de Dedieu/Dutroux, interpretado por un Sergi López (pero magnífico actor) que parece un gitano sucio que eructa y carga con su violencia y su falsa sonrisa. … en un canto fuera de lugar con acento catalán que termina por volverlo cómico (“¿Te gusta chupar calipots?”). Este personaje es un reflejo de toda la película. Innecesariamente agobiado, preparado en lugar de preocupante. ¿Qué queda del monstruo bajo el capó?

Estas monstruosidades fílmicas, que combinan suavemente tentaciones contrarias entre el cine de género y la crónica, acaban creando un profundo sentimiento de malestar sobre todo el proyecto. ¿Por qué “pretender” reconstruir el caso Dutroux, jugando con analogías de lugares, edades de las víctimas, imágenes traumáticas (reconstrucción increíble e inquietante del terrible escondite en el sótano detrás del botellero, una granja que se parece a la casa de Sars? ), para luego contaminarlos con este grotesco desfile? ¿Qué ética respecto al asunto?

Peor aún: una vez superado el arresto de Dedieu/Dutroux, la película da paso a un acto final al estilo de una película Western/Revenge completamente irrelevante y fuera de la realidad que acaba planteando un problema moral, tanto la cuestión de la justicia individual que se adorna. con una amplia reflexión sobre un profundo estado pedófilo de “todo podrido”.

El fracaso y el malestar son aún más dañinos porque, cuando se deshace de sus trucos de sabelotodo, cuando por fin interpreta su papel en una menor, basta con una toma de un canal, del andén de una estación, de un alto horno en la sombra. o una mirada de Bajon para que Maldoror consiga registrar y encarnar con escalofriante precisión las mecánicas de una obsesión, del horror y revivirlas para curar mejor las heridas. de una generación. Tómalo con calma, Fabrice.

• Goran Paskaljević – “La América de los Otros” (Retrospectiva e invitado de honor: Miki Manoljovic)

Y después de la lluvia, el buen tiempo: el año 2024 es también la ocasión de un generoso homenaje (masterclass, programación transversal) a quien mejor simboliza el cine de la antigua Yugoslavia en Occidente, el grandísimo Miki Manojlović, actor favorito de Kusturica. y muchos otros.

Juzgue usted mismo: “Papá está de viaje de negocios”, “Underground”, “Gato negro, gato blanco”, “Prométeme”, “En la vía láctea”, pero también “Tito y yo”, “Irina Palm”. por no hablar de apariciones en Ozon (“Criminal Lovers”), Danis Tanovic (“L’enfer”), Beinex (“Mortel transfer”), etc.

Y Goran Paskaljević, por tanto. Hermano de corazón de Kusturica, compañero de clase con quien estudió en la FAMU de Praga. Pero quién, como veremos, ha cambiado el barroco flamígero por una obra mucho más discreta, de una sutileza imbuida de una ternura infinita.

Sobre un escenario de Gordan Mihić (“Gato negro, gato blanco”, “La época de los gitanos”, bueno, bueno, o “Expreso de los Balcanes”), aquí están Alonso (Tom Conti) y Bayo (Miki Manoljović), dos emigrantes corriendo cojeando hacia el sueño americano. Exiliado tanto de su país como de Nueva York, que observan desde las costas y sueños de Long Island, Miki sobrevive como puede haciendo trabajos manuales, alojándose en una lúgubre habitación del bar-restaurante que regenta Alonso y en el que Vela en silencio a una madre ciega (María Casares, cuyo último papel es).

La vida transcurre con una especie de alegría a pesar de las dificultades. Hacemos lo que podemos, en ayuda mutua y amistad, observando por el rabillo del ojo a una hermosa joven iraní cuyos dolores y molestias son tratados por la comunidad china cuyas ventanas dan al bar.

Sin embargo, se producen dos movimientos contrarios que pondrán todo patas arriba: la madre de Alonso quiere volver a España para morir. Y la familia de Miki, sin avisarle, decide unirse a él porque allí, en el corazón de la antigua Yugoslavia, su hija menor está muriendo por no ver a su padre.

De los escollos al duelo, ¿conseguirán Alonso y Bayo mantener su cortesía de la desesperación, esa risa que todo lo cura? ¿Puede el sueño seguir respondiendo al drama?

Es una pequeña pepita milagrosa a la que nos invita el festival en este día gris, una burbuja luminosa iluminada por la bella obra de Giorgos Arvantis (director de fotografía designado por Angelopoulos, perdón) a la que rinde homenaje la copia recién restaurada que vemos en exclusiva en Arras. homenaje. Una farándula colorida y agridulce perfectamente adaptada al tema de Andrew Dickson (que trabaja habitualmente con Mike Leigh), un fabuloso vuelo de oboe que responde a los movimientos incansables de los dos desplazados.

Luego podríamos profundizar en la belleza del dúo con el humor trágico y físico de Bayo/Alonso y glorificar la calidad de interpretación de Conti y Miki, cuyo cuerpo, expresiones faciales y movimientos dicen tanto como las palabras, en una obra. a medio camino entre el cine burlesco y el universo circense cuyos planteamientos y absurdos recuerdan a los vagabundos gloriosos, desde Chaplin hasta los perdidos de Beckett (Vladimir y Estragón, o los personaje de la madre cuyas gafas recuerdan a las de Hamm al final del juego).

También podríamos aplaudir esta cualidad del tono, esta forma tan eslava de reaccionar ante el drama con ingenio y risa o fantasía (la cría de gallos), dejando respirar la belleza, aunque eso signifique teñirla de dramatismo (la escena del pozo). , en particular) con una puesta en escena que, al igual que los personajes, está escrita con ligereza, “como de pasada”. Este sencillo plano lo demuestra: durante un funeral (realizado, de todos modos, en una camioneta con una vaca gigantesca), la cámara realiza una panorámica. Revela, durante apenas unos segundos, en la parte superior del encuadre, las torres de Manhattan. Y encima, separadas por una línea casi perfecta, cientos de tumbas. La de quienes lo dejaron todo para soñar con América y permitirse estas artimañas y de qué lado se pone la película.

Estos toques discretos e impresionistas resumen este encantador proyecto tan en la cuerda floja como sus héroes, buscando en cada secuencia el equilibrio entre lo burlesco y lo que abarca.

Porque “La América de los Otros” esconde muchas lágrimas: arrepentimientos, un niño desaparecido, una historia que se va, un amor imposible, un futuro traicionado y esa melancolía que nunca abandona a quienes lo han dejado todo atrás. Habla de ello con una ternura loca, que hoy es aún más actual, sin patetismos innecesarios, sin un horizonte social atrofiado que lo apoye.

Por supuesto, la película no es perfecta y adolece de algunas dificultades, en particular durante su exilio en otra frontera (digamos nada más) y las dolorosas consecuencias de su regreso para su héroe, y a veces coquetea con el sentimiento adecuado. Pero este “bien” es también su punto fuerte, y Goran Paskaljević también lo aprovecha y nos lo denuncia constantemente. Por supuesto, todo es falso, por supuesto todo es decoración, dice, como el pozo o la cabra que traemos como un artefacto. Por supuesto, todos los que podrían estar en este sucio patio trasero están desafinados y fuera de lugar. Pero esta pausa es precisamente el corazón de la película.

Es la historia de personas que no encuentran su lugar, en su país, en su familia, en su paternidad. Es la historia de personas que persiguen fantasmas y arrepentimientos. Pero que vivan tanto como puedan soñar. Es el tipo de película humilde y tranquilizadora que soñamos con transmitir a quienes amamos y que nos gustaría presentarles a todos (¿por qué no volver a la pantalla grande?). Qué pequeña joya tan discreta.

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