¿Deberíamos ver la película de Gustave Kervern con Laure Calamy en Arte?

YMilie (Yolande Moreau) dice que basta. Detener su vida en la residencia de ancianos donde la directora (la excelente Alison Wheeler) la trata con odiosa condescendencia, detener la promesa extremadamente lúgubre de una vida atrapada entre sus nietos y una nuera (Marie Gillain) que cayó bajo el control. de un vil matón (Jonathan Cohen). Y, a los 70 años, se pone en camino, al volante de su coche de alquiler, flanqueada por Lynda (Laure Calamy), una cuidadora soltera. Un único objetivo: ajustar cuentas con todos aquellos que, en sus vidas, les hicieron sufrir estas pequeñas -y grandes- humillaciones cotidianas, que nunca han olvidado.

Es en este marco sincero que Gustave Kervern, demostrando una vez más que efectivamente hay una vida después Grolandiaconstruido por Ya no me dejaré hacer esto, su primera película en solitario, galardonada con el premio de dirección en el Festival de ficción de La Rochelle el pasado mes de septiembre. A Thelma y Luisa du Pas-de-Calais, retransmitida este viernes por la noche en Arte, que sitúa personajes, a menudo banalmente sórdidos, a veces conmovedores, en el camino de nuestros dos forajidos.

La oportunidad de ofrecer hermosas partituras a Anna Mouglalis y Raphaël Quenard, recién llegados al universo entre el gris claro y el chaleco discretamente amarillo de Kervern, en el papel de policías tan perdidos como moviéndose en busca de los dos fugitivos. O, lo que es aún más sorprendente, colocar al ex presidente del RC Lens Gervais Martel en una silla de ruedas.

Esta road movie feminista, Gustave Kervern la imaginó un poco melancólica pero en lugar de ceder a la amargura o la depresión, decidió darle algunos toques de humor, absurdos y poéticos, para que la angustia o las pequeñas debilidades de estos personajes no sean demasiado difícil de digerir.

Además, si a Laure Calamy y Yolande Moreau no les falta presencia, es sobre todo a través de sus papeles secundarios donde el director y guionista suele mostrarse con mayor precisión. Ni un segundo plano que no cuente una historia, ni una línea, por inocua que parezca, que no dé que pensar a nuestras neuronas o a nuestro cigomático.

Encuentro en septiembre pasado con un conmovedor y humilde Gustave Kervern, que no ocultó su angustia, unas semanas antes de la emisión de su película en Arte.

El punto: ¿Cómo fue la idea de ya no me dejaré hacer esto ?

Gustave Kervern: Tuve un pequeño problema personal, un divorcio, que me dejó, cómo decirlo, un poco perdida. Entendí que tenía que escribir para superarlo. Así que trabajé en dos películas basadas en ideas que llevaban mucho tiempo rondando por mi cabeza. Pero éste es realmente el más personal. Me di cuenta de que todos pasamos por pequeñas humillaciones en la vida, momentos en los que no nos atrevíamos a responderle a alguien, en los que no obtuvimos la respuesta correcta. Es increíble cómo estos pequeños momentos nos acompañan a lo largo de nuestra vida, incluso cuando son insignificantes. Fue esta idea la que me interesó: cómo estos arrepentimientos nos persiguen e influyen en nuestras vidas, aunque deberíamos haberlos olvidado.

También hablas de venganza pero no de venganza sangrienta al estilo Tarantino…

(Sonríe.) No, se trata más bien de una venganza simbólica, de un ajuste de cuentas por estas pequeñas humillaciones. El personaje principal interpretado por Yolande Moreau decide vengarse tras la muerte de su hijo, pero de forma sutil. Lo que me gustó también fue hablar de lo que pasa en las residencias de ancianos, particularmente con el personaje de esta directora interpretada por Alison Wheeler, que forma parte de lo que yo llamo “monstruos cotidianos”.

A menudo hablas en las entrevistas de tu fascinación por los “magníficos perdedores”. ¿Tus dos heroínas son parte de esto?

Sí, totalmente. Aunque cada película es diferente, siempre vuelvo a ellas. Siempre son personajes de circunstancias modestas que se rebelan contra algo. Es un tema un poco recurrente en mis películas. Son Don Quijotes modernos, increíblemente entrañables.

Al ver su película, tenemos la impresión de que los actores se sintieron libres de improvisar, como esta escena en el coche, en la que Yolande Moreau y Laure Calamy imitan animales mientras cantan…

Con Benoît Delépine siempre tuvimos un ambiente de rodaje muy bueno. Cuando llegan los actores, saben que no habrá ninguna presión indebida. Es importante que puedan expresarse libremente y correr riesgos. ¡La escena del coche es un puro momento de locura que no estaba planeado en absoluto!

¿Cómo fue el rodaje con Laure Calamy, recién llegada a su mundo, y su “musa” Yolande Moreau?

Laure es una actriz muy generosa. A veces tiene dudas, pero siempre hemos encontrado puntos en común. Lo que me gusta de ella es su capacidad de darle humanidad a su personaje. Su dúo con Yolande Moreau funciona muy bien, porque son opuestos pero se complementan.

Trabajar solo es un poco más rápido. Es bueno no tener que discutir cada elección, tenemos menos frustración. Es un tipo diferente de diversión.

La película puede convertirse en drama y siempre la pillas por el cuello con toques de humor, incluso a veces de fondo…

Sí, me importa. En mi película tengo 250 planos, mientras que una película americana tiene miles, y cada uno debe contar algo. Ésta es la dificultad del plano secuencia: todo en el encuadre debe tener significado. Evitamos momentos en los que no pasa nada, como que un coche llegue sin motivo. Siempre tiene que haber algún elemento extraño o inusual, algo que capte la atención.

¿Qué diferencia hay entre rodar para televisión que para cine?

(Se ríe.) En realidad, no mucho. El proceso es prácticamente el mismo. Normalmente, con Benoît Delépine, tenemos un mes para rodar nuestras películas. Entonces la velocidad de disparo no es un problema. Lo que importa es el método de trabajo, la confianza que damos a los actores. Y no he cambiado mi forma de hacer las cosas, ni siquiera para la televisión.

¿Trabajar solo por primera vez fue más bien angustioso o liberador?

Fue un poco de ambas cosas. Trabajar en pareja siempre implica hacer concesiones, pero también es enriquecedor. Trabajar solo es un poco más rápido. Es bueno no tener que discutir cada elección, tenemos menos frustración. Es un placer diferente, aunque la colaboración sigue siendo algo muy valioso para mí.

¿Sientes que has llegado a un punto en el que has explorado todo lo que tienes que decir?

Con Benoît, es posible que hayamos llegado a una especie de punto de saturación. Actualmente está haciendo una película por su cuenta. Por mi parte, me estoy centrando en esta película y después creo que daremos un paso atrás antes de volver a estar juntos. Esperamos hasta tener una idea que nos entusiasme, un nuevo deseo, antes de empezar de nuevo.

¿Se considera un director comprometido?

Digamos que soy un observador. No me considero un activista, sino alguien que intenta dar una mirada crítica y a veces divertida a los defectos de nuestro tiempo. Me gusta deconstruir las cosas, sin necesariamente intentar denunciar o dar lecciones. La gente que está en mis películas, en realidad, es gente un poco perdida, pero siempre está buscando algo, a veces sin saberlo. Esto es lo que los hace entrañables y reales. Cuando miramos a nuestro alrededor, nos damos cuenta de que cada uno está en esta búsqueda, a su manera. Pero a veces hay que pasar por momentos absurdos, o incluso patéticos, para comprender lo que realmente importa.

Usted pronuncia un discurso bastante amargo sobre el nivel cultural actual, especialmente entre los jóvenes. Parece que te estás divirtiendo…

Sí, encuentro que la cultura está cada vez más disociada de su verdadero problema. La gente consume información o entretenimiento sin pensar realmente en ello, como si fuera suficiente para llenar un vacío. La televisión y plataformas como Netflix se han convertido en refugios donde buscamos respuestas sin nunca hacer las preguntas correctas. La gente necesita distracción, pero al llenarse la cabeza con cosas fáciles, se olvidan de profundizar un poco más. Perdemos esta curiosidad, esta sed de descubrir. No critico la idea de divertirse, ni mucho menos, pero se ha vuelto demasiado sistemática.

Tampoco eres muy tierno con tu hijo, a quien le confías una apariencia hilarante de la que no necesariamente crece…

(Se ríe.) Sí, eso es un poco así. Mi hijo, como muchos otros jóvenes de hoy, tiene acceso a todo, a cualquier información, pero no le importa. Prefiere ver vídeos de gatos en su teléfono que sentarse frente a una buena película o un libro.

¿Qué te gustaría que recordáramos de esto? Thelma y Luisa ¿estás al norte?

(Él sonríe.) Desearía que esta película no fuera sólo una experiencia unidimensional. Quiero que el espectador se sumerja en un torbellino de emociones. Eso es lo que, en mi opinión, hace que una película sea memorable. Porque en el fondo, la vida misma es así: una serie de momentos en los que alternamos risas y lágrimas, a veces en el mismo momento.

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Respuesta

¿Le genera ansiedad la acogida del público?

Cada vez que asisto a proyecciones públicas me preocupo, me digo a mí mismo que debería haber cortado tal o cual escena. Sí, se podría decir que estoy ansioso. (Él sonríe.)