La iluminación y el diseño visual para la industria del directo son una mezcla de creatividad y tecnología, pero el brebaje final también implica una gran dosis de escucha y colaboración. Después de todo, un diseñador rara vez puede pasar por alto su propia dirección sin la participación del artista que actuará frente al lienzo de fotones que está preparando.
Y dado que cada acto es diferente con diferentes demandas y visiones, el éxito de los equipos visuales y de iluminación también depende de la agilidad y la flexibilidad.
Considere los actos para los que el colectivo de diseño Lightswitch ha trabajado en la explosión en vivo pospandémica: el extraordinario compositor Hans Zimmer, la megaestrella latina que llena estadios Karol G, el favorito alternativo Beck que ignora el género, el caprichoso comediante monólogo Eddie Izzard, incluso una competencia de deportes electrónicos en Brooklyn’s Barclays Center para Overwatch, el shooter en primera persona.
Lo que funciona para Zimmer mientras dirige una orquesta a través del tema vertiginoso de la franquicia “Piratas del Caribe” no es exactamente lo que Izzard busca mientras cuenta su historia de “Cake or Death”.
Pero… es más o menos lo mismo, dice el director general y director general John Featherstone de Lightswitch, que existe desde hace 31 años. “Para nosotros, fundamentalmente, se trata de dos partes”, afirma. “La primera parte es la narración. Eddie está contando una historia que es tan importante para Eddie como las historias de Karol lo son para Karol, como las de Beck para Beck como las de Hans para Hans, así que es entender lo que ese artista quiere decir”.
Y la clave en Lightswitch es lo que el equipo llama “diseño pragmático”, que informa las conversaciones que el equipo tiene con los clientes.
“Digamos que estás en un avión y hay dos personas detrás de ti hablando sobre tu programa”, planteó la hipótesis de Featherstone. “¿Qué quieres que digan? Estás leyendo las redes sociales. ¿Cuáles son las cosas que quieres que la gente diga sobre tu programa que son importantes? Luego recogemos todo ese oro y lo enjuagamos a través de lo que llamamos diseño pragmático, que consiste en garantizar que nos mantengamos auténticos en tres grandes factores”.
Esos factores están simbolizados en el logotipo de círculos entrelazados de la empresa.
“Esto es un símbolo de lo creativo, lo financiero y lo logístico”, dice Featherstone. “Creemos que nuestro trabajo como diseñador es tomar la historia de nuestros clientes, su misión, su razón para hacerlo y hacer que la superposición de esos tres elementos sea lo más grande posible. Queremos maximizar la creatividad, maximizar el retorno financiero y maximizar la logística”.
Chris Medvitz, también director general y principal, dice que el equilibrio es lo que diferencia a un diseñador de un artista.
“Si todo lo que vamos a hacer es preocuparnos por la parte artística, entonces yo diría que somos artistas y no diseñadores y que el artista es lo que es la persona o la banda en el escenario, ¿verdad?” él dice. “El trabajo de un diseñador es ser responsable de esas otras cosas, tienes que ser responsable del hecho de que esto tiene que existir en el mundo real, tiene que poder viajar, tiene que encajar en los lugares. Puedes tener el espectáculo más loco, pero al final de la gira el artista dice ‘Bueno. ¿Por qué no gané dinero?’”.
Y esas preocupaciones prácticas deben informar a las artísticas, lo que significa trabajar de manera integral no sólo con los artistas sino también con los gerentes de gira y demás personal detrás del escenario.
“Me sentí muy halagado que después de hacer el show de Hans en Oakland, uno de los tramoyistas que conozco desde hace mucho tiempo se me acercó y me dijo que este era un show de 15 camiones, pero se sentía como 10. Se trata de asegurarse “Es necesario mantener todo eso en equilibrio y trabajar dentro de esos parachoques”, dice Medvitz.
Desde el punto de vista técnico, la llegada y el avance de los LED ha marcado un hito, ya que ha permitido una mayor flexibilidad y creatividad y, al mismo tiempo, produce menos residuos, ya que los LED deben reemplazarse con mucha menos frecuencia que sus antecesores incandescentes. Pero Tyler Elich, director general y director general que trabajó, entre otros proyectos, en las giras de Izzard y en el evento Barclay’s Overwatch, dijo que el próximo gran cambio puede provenir de la palabra de moda tecnológica más grande del momento: IA.
“Ya hay una caja en la que conectas tu música y crea una especie de espectáculo de luces y, para una banda pequeña, no está tan mal”, dice. “No creo que en los próximos 10 años los tres vayamos a ser reemplazados por la IA, pero estamos empezando a utilizar todas estas herramientas de IA”.
El hecho es, dice Elich, que los artistas siguen siendo seres colaborativos y, como todas las personas, necesitan retroalimentación humana.
“Es fácil decir: ‘Dios mío, será el fin del mundo tal como lo conocemos’, cuando en realidad es una herramienta a la que podemos elegir temer y que será mal adoptada o podemos aprovecharla y concentrarnos. utilizarlo y utilizarlo para liberar la creatividad en lugar de reemplazarla”, afirma. “Creo que, en última instancia, de lo que se trata es de la conexión humana. Un artista no quiere contratar una IA, no quiere tener una caja al frente de la casa. Quieren tener un ser humano con quien puedan hablar después del programa y esa conexión humana es realmente el núcleo de lo que hacemos”.
Y esa conexión humana puede aparecer en los lugares más improbables: como una competencia de videojuegos en un estadio de Brooklyn.
“He hecho miles de espectáculos, conciertos, grandes eventos, pero al ver a tanta gente tan emocionada, reuniéndose debido a su pasión compartida, lo han hecho solos y ahora son alrededor de 20.000 de sus amigos que son todos iguales nerds. sobre lo mismo y pueden volverse nerds, gritar y asustarse”, dice Elich. “Nunca he sentido un evento más poderoso que ese”.
