Michaël Borremans, el pintor del enigma

Encontramos con gran placer sus obras, más antiguas o más recientes y nunca antes vistas, que están magníficamente pintadas al estilo de los viejos maestros y están imbuidas de enigma. Reina una dulzura mezclada con una extraña violencia contenida en visiones aparentemente banales que a veces parecen sacadas de álbumes antiguos. En la galería de retratos de la última sala nadie mira fijamente. Nos enfrentamos a una inquietante extrañeza que Freud o Magritte no habrían negado. Una mirada a nuestra humanidad.

Borremans es un artista figurativo e incluso narrativo. Nos cuenta historias con sus obras a las que añade títulos enigmáticos. Pero estas narrativas se nos escapan. No nos da las llaves. La historia se desarrolla ante nosotros y sólo vemos extraños rastros de ella. La cara de esta niña con los ojos cerrados: ¿está muerta? ¿Está durmiendo? Estos divertidos gorros de papa, ¿para qué sirven? ¿De qué pasado surgen?

La exposición de Borremans en Bozar

El retrato de un niño parece muy clásico, pero de sus ojos salen dos rayos, tanto los rayos de santidad de los cuadros antiguos como los rayos láser de hoy. En la tapa, pintó un cuerpo joven, aparentemente sano, pero el rostro está cubierto con una tapa, que recuerda a las monedas que se colocan al difunto para pagar su viaje al reino de los muertos.

En Fuego del sol, Vemos querubines aparentemente caídos en desgracia, royendo miembros perdidos. En esta exposición, estas son las únicas figuras que no permanecen quietas.

Casi nunca hay sangre o sufrimiento explícito. Pero la ansiedad suele ser aún más fuerte. Michaël Borremans evita cualquier detalle que pueda fechar o ubicar geográficamente al tema.

Aunque se dedicó tarde a la pintura (33 años), después de haber sido dibujante, se encuentra en la estirpe de los grandes pintores de la historia del arte, como Velázquez, Chardin o Manet, artistas que admira, al tiempo que crea profundamente contemporáneo. trabajar.

La primera sala con tres pequeños cuadros es como un anuncio de la secuela…

Hay una máscara, como un rostro anónimo pero transparente. Es una naturaleza muerta que vibra con color y sombra. Enfrente hay Durmiente, un niño dormido, que también recuerda a la muerte. ¡La máscara está más animada que la persona! En toda mi obra existe esta tensión entre lo animado y lo muerto. Las manos rojas y verdes son mías pero también las del espectador. Sólo quería mostrar pinturas en Voorlinden en esta serie de salas muy blancas, casi sagradas. Es una selección de mis cuadros favoritos, más que de mis cuadros más conocidos. Me gusta, por ejemplo, el cuadro con un zapato y un ladrillo.

El título de la exposición “Un enfrentamiento en el zoológico” es extraño.

Se inspira en la última sala, con once retratos que no tienen ninguna función, que nada tienen que ver con la individualidad de los modelos. Me gusta revolucionar el género del retrato. A veces le agrego extrañeza expresamente, pero muchas veces es espontánea, ligada a mi personalidad. Haría falta psicoanálisis, que no he hecho, para saberlo.

Mencionamos a Van Eyck, Chardin por sus pinturas…

Puedes añadir Velázquez, Manet, Goya… Tengo muchos favoritos. Intento darle varias capas a mis pinturas: una persona puede apreciar la poesía, otra buscará el concepto escondido detrás, otra apreciará la metáfora o un diálogo implícito con pintores del pasado. Me gusta que un cuadro tenga varias razones de ser.

Mercado del arte: récord para Michael Borremans

Tomemos el ejemplo de “El Huevo” con seis cuadros casi idénticos, de una niña colocando sus manos sobre un huevo. O “Fuego del Sol”…

En el huevola niña pone sus manos sobre el huevo, no lo toca y posiblemente podría aplastarlo. Dejo esto abierto. Es esta tensión implícita la que me interesa, como la repetición de esta imagen que da una sensación de urgencia. En la pared de enfrente hay otra repetición con una niña comiendo una tostada. Inicialmente no tenía la idea de hacer series. Pero, cuando los alineé contra la pared de mi estudio, me dije que era una instalación magnífica. A Jan Hoet, a quien le agradaba, le encantó. fuego del sol es completamente diferente. Es una serie de cuadros de gran tamaño, muy teatrales, más animados que mis obras habituales, que hice para una exposición en Hong Kong. Con niños pequeños pintados de rojo jugando con sangre y miembros amputados. Y esto sugiere canibalismo, violencia, pero vinculada a niños pequeños que se presumen inocentes. En la historia del arte los niños pequeños son siempre querubines, ángeles. Quería darle la vuelta a eso. Es hermoso y un poco impactante al mismo tiempo. Esto proporciona un comentario sobre la condición humana, sobre la violencia, sobre la forma irresponsable en que consumimos nuestro mundo. Esta serie ha generado cierta controversia en las redes sociales de Asia y América. ¡Finalmente me he convertido en un artista controvertido! (sonrisa)

¿Tiene su arte un significado político?

Casi siempre es un comentario sobre la condición humana. Pero a veces es más conmovedor como aquí. Nunca es directo, literal. Nunca hago ilustraciones simples. Estamos condicionados a ver las imágenes como ilustraciones para manipularnos o encantarnos. No todos somos conscientes de su poderoso impacto psicológico y de cómo influyen en la política y la economía. Los nazis lo utilizaron de manera muy eficaz. El arte puede entonces ser una fuerza para frustrar esto. Esto lo vemos claramente con el éxito de los museos y cómo la gente busca cosas diferentes que les den conciencia, una identidad fuera del mundo del consumo. Buscamos significado en las cosas y muchas veces lo buscamos en las pinturas porque cada vez son únicas.

Eres un referente del arte contemporáneo, pero ¿qué significa para ti? ¿Quiénes son los artistas actuales que aprecias?

El arte contemporáneo va en todas direcciones, es muy interesante. Estamos en un período revolucionario. Antes había una evolución, vanguardias, ahora está todo y vemos muchos artistas que hacen síntesis. ¡Todo se ha vuelto posible y todo, además, aceptado! Cada artista es su propia vanguardia. También da una sensación de caos que es una forma de energía. Me gustan los artistas contemporáneos que son muy diferentes a mí, como Paul McCarthy, porque está realmente loco, me inspira, tiene coraje, se atreve a hacer de todo. Lo admiro. No tiene límites, es salvaje. Pero también amo a Miriam Cahn desde hace veinte años, su trabajo es muy especial, es magnífico. Al principio no sabía qué pensar de ello, pero cuanto más conozco su trabajo, más lo aprecio. Es una locura pero también muy conmovedora. Utiliza colores muy fuertes y extraños.

Su galería belga, Zeno X, está cerrada, ya no está representado en Bélgica…

Trabajo exclusivamente con David Zwirner, presente en todo el mundo. Es muy conveniente para mí y me da mucha tranquilidad. Él puede invertir en mí.

Celebramos el centenario del manifiesto surrealista. ¿Te sientes en su linaje?

Por supuesto, siguiendo el movimiento dadaísta y el surrealismo. Estoy muy influenciado por creadores como Buñuel o Man Ray. Magritte también, claro, pero está en mi inconsciente. De niños ya estábamos inmersos en su mundo como en los de Van Eyck y Ensor. Estos pintores están en nuestras raíces. Por supuesto, está el arte belga. Bélgica es ciertamente un país bastante joven, pero hay una actitud, una cultura belga, como lo demuestran Tintín, Arno o Bruselas, que es tan belga con todos los problemas de Bélgica. Es triste que la primera habilidad que se dividió entre las dos comunidades fue la cultura. Ustedes, los francófonos, por ejemplo, tienen magníficos directores, saben utilizar esta lengua y su poesía, a diferencia de nosotros en Flandes. Los Dardenne, los Bouli Lanner… Existe una cultura cinematográfica única. En Flandes no sabemos qué está pasando a nivel cultural en Valonia, no hay suficiente comunicación. Mi taller en Ronse está cerca de la frontera lingüística.

Michaël Borremans, museo Voorlinden, cerca de La Haya, hasta el 23 de marzo. Puedes combinar la visita con la de la bellísima exposición que compara obras sobre la noche y la oscuridad y Spilliaert y Dirk Braeckman en el Kunstmuseum de La Haya hasta el 12 de enero.