La Casa Mercante de Ámsterdam: Amanda Means (1945, Nueva York) (imágenes 1-3)
Amanda significa Means es conocida por sus impresiones en gelatina de plata en blanco y negro, palpablemente materiales. Las proyecciones virtuosas de luz de Means sin una cámara, proyectando físicamente la luz sobre el papel revelador, dan lugar a su técnica de impresión evocadora y magistral. El resultado es una presentación luminosa de objetos cotidianos, como bombillas y vasos de agua, en un inesperado primer plano serial. Becaria Guggenheim 2017 por sus contribuciones a la fotografía contemporánea, el trabajo de Means está incluido en numerosas colecciones de museos, incluido el Museo Whitney, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo de Arte de Cleveland y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, entre otros. Después de vivir en Nueva York durante 35 años, se mudó a Beacon, NY en 2007.
La casa del mercader
1016 BV Ámsterdam
www.merchanthouse.nl
ESTO NO ES UNA FANTASÍA Melbourne, Victoria, Australia: Ellen Dahl (Noruega/Australia) (imágenes 4-6)
La práctica artística deEllen Dahl Su trabajo se basa en gran medida en el trabajo con o en torno al paisaje. El concepto de la implicación intrínseca de la fotografía en la forma en que vemos y experimentamos el mundo que nos rodea es la base de sus proyectos. Explora continuamente el alcance ampliado del medio fotográfico y su potencial para involucrar nuevas formas críticas, poéticas y estéticas de ensamblar el significado ecológico y la imaginación geológica. También le interesa la relación del medio con el tiempo y a menudo explora este trabajo a través de la fotografía, el video y la imagen fija, el sonido y la instalación.
Dahl se siente constantemente atraída por el concepto de isla y lugares en el borde del mundo, y a menudo regresa a las periferias norte y sur del norte de Noruega y Tasmania. En su intento de capturar la sensación acentuada de liminalidad y límite que a menudo se siente en estos sitios, su obra se sustenta conceptualmente en la inquietud en torno a la condición antropogénica y la consiguiente ambigüedad de las escalas temporales humanas y geológicas superpuestas.
Esto no es ninguna fantasía
Melbourne, Victoria, Australia
www.estaesunafantasia.com
Galería THK de Ciudad del Cabo: Barry Salzman, Nicola Brandt, Trevor Stuurman
Barry Salzman (Zimbabue/EE. UU./Sudáfrica) 1963 (imágenes 7-9)
Barry Salzman Nació en Zimbabue y se educó en Sudáfrica. Emigró a los Estados Unidos a los 21 años. Tras una carrera comercial inicial, empezó a trabajar como artista a tiempo completo. Su interés por la fotografía surgió cuando, siendo adolescente, se sintió atraído a documentar las zonas racialmente segregadas durante el apartheid, con el fin de comprender la desigualdad racial que lo rodeaba. Hoy en día, su obra sigue explorando difíciles cuestiones sociales, políticas y económicas, incluida la creciente fatiga universal en torno a la narrativa del Holocausto, la erosión del sueño americano y la complicidad de la sociedad en la recurrencia de los genocidios modernos.
Desde 2014, Salzman ha trabajado en proyectos que abordan el trauma y la memoria, a menudo en relación con la recurrencia del genocidio. Está particularmente interesado en nuestro papel como testigos públicos: “lo que vemos cuando miramos”. Su obra a menudo representa paisajes abstractos, realizados en lugares de genocidio, que representa literal y metafóricamente para reflexionar sobre el trauma y la curación. Aunque las imágenes están tomadas en lugares específicos donde han ocurrido actos de genocidio, su uso de las herramientas visuales de la abstracción nos recuerda que “este lugar” puede ser “cualquier lugar”.
Nicola Brandt (Namibia/Alemania/Sudáfrica) 1983 (imágenes 10-12)
Nicola Brandt es una artista multidisciplinaria conocida por sus fotografías a gran escala, trabajos de video e instalaciones que abordan temas de poder, memoria, deseo y posición. Brandt, que forma parte de una generación emergente de artistas en su país natal, se ha hecho conocida por su enfoque fresco y crítico del lugar y el paisaje y su examen descolonial de la historia colonial alemana y el trabajo conmemorativo. Su trabajo destaca la idea de que el lugar y la identidad se constituyen e influyen mutuamente por factores ambientales, sociales y políticos. Le interesa cómo estas experiencias y efectos pueden comunicarse a través de prácticas documentales y performances expandidas.
Implementando la idea de que el arte puede facilitar el diálogo intercultural y el cambio social, su trabajo se presentó en discusiones intergubernamentales entre Namibia y Alemania en 2015 y se exhibió en el Congreso Nama y Herero en Hamburgo, Alemania, en 2018.
Trevor Stuurman (Sudáfrica) 1992 (imágenes 13-15)
Trevor Stuurman es un artista visual multimedia contemporáneo que ve el mundo a través de su lente creativo y encuentra belleza en lo que le recuerda a su hogar, un lugar lleno de color, amor y pertenencia que refleja África. Es un explorador experimentado y cita los viajes como su principal fuente de inspiración. “Cuanto más salgo de mi país, más me doy cuenta del poder y la importancia de mi país. Creo que me convierte en un mejor narrador de historias porque soy capaz de encontrar elementos de mi hogar dondequiera que voy y crear productos tangibles”. Este sentido de pertenencia lo inspiró a comisariar su primera exposición individual titulada “Home”, una carta de amor a las mujeres Himba de Namibia, que se exhibió con éxito en la Hazard Gallery de Johannesburgo.
Trabaja con fundaciones humanitarias internacionales, entre ellas las Naciones Unidas, la Fundación Gates y la Fundación Auma Obama, que documenta al expresidente estadounidense Barack Obama. Descrito como “una fuerza cultural” por African Voices de CNN, Trevor continúa perfeccionando su ojo creativo y sus centros de belleza y moda. No es de extrañar que crea que “ser africano es su superpoder”.
Gracias Galería
Ciudad del Cabo, 8001, Sudáfrica
www.thkgallery.com
Urbanek Londres: Maciej Urbanek (Polonia/EE.UU./Reino Unido)1979 (imágenes 16-18)
La práctica deurbanek El trabajo de Urbanek en Unseen 2024 analiza los fundamentos teóricos y filosóficos de la fotografía, centrándose en la relación entre la fotografía y la realidad. Las obras de Urbanek presentadas en Unseen 2024 pretenden mostrar la naturaleza problemática y compleja de esta relación. Las cuatro obras presentadas en la feria van desde una imagen fotográfica “directa” y sin manipular (Open Forms) hasta una construcción fotográfica altamente manipulada, multicapa y construida (Sun.Flower), pasando por obras que fusionan positivos y negativos fotográficos (White Lies y Brotherly Love). Estos tres tratamientos distintos pretenden sacudir la confianza en la fotografía y la creencia de que este medio es capaz de representar fielmente el mundo en el que vivimos. El artista toma lo cotidiano y lo mundano y los transforma en un espectáculo visual: el fuego, el agua, el bosque, las bolsas de basura son omnipresentes y nos rodean todos los días sin que nos demos cuenta; el artista los presenta como si tuvieran una calidad elemental, casi mágica, y permite que el espectador los perciba como maravillas extraordinarias.
URBANO
SE21 8QR Londres
https://urbanekgallery.co.uk/
VF Art Projects España y Luxemburgo: Hugo Aveta, Dionisio Gonzales
Hugo Aveta (Argentina) 1965 (imágenes 19-21)
Artista argentino de renombre internacional. Estudió cine y arquitectura antes de dedicarse a la fotografía. Muchas de las obras de este artista multimedia evocan recuerdos y situaciones difíciles vividas por su país. A través de la fotografía y el cine también aborda los temas más universales de la memoria y su transmisión. Aveta también está fascinado por la materia y las fallas. Su obra evoca fuerzas en lucha, incertidumbres, riesgos, fracasos, pero también sueños y esperanzas frágiles y tambaleantes, pero que siguen en pie. Sus exposiciones más recientes han sido “Dioses invisibles” en el Museo Inmigrantes de Buenos Aires, Argentina; “La fascinación de la falla” en el Palacio Kuzzam en Arabia Saudita, y “La fascinación de la falla” en el MACVAL, un museo de arte contemporáneo en París, Francia. Su obra ha sido expuesta en las instituciones más reconocidas.
Dionisio González (España) 1965 (22-24)
Artista visual de reconocido prestigio internacional, cuya obra explora, de manera puntual, los problemas habitacionales con los que se encuentran las arquitecturas vernáculas e irregulares, así como las grandes utopías constructivas de la posguerra, que han fracasado. En definitiva, arquitecturas expuestas al colapso y al desdibujamiento. Su obra ha sido expuesta en las más reconocidas instituciones y museos del mundo.
Proyectos de arte de VF
España y Luxemburgo (2 alquileres)
www.vfprojects.com
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