“Matisse es una de nuestras exposiciones más queridas”

Sí… lo imposible está en la exposición “Matisse, invitación a viajar”, ​​colgada en varios lugares de la Fundación Beyeler. Sin designarlas, el director Sam Keller recorre cuatro escenas interiores, reunidas en una habitación, tan similares en el arte de crear una vida desbordante a puerta cerrada y tan singulares en su variedad de motivos.

El oxígeno –en Matisse, podemos decir color, soberano, sensible– circula en un vacío cerrado. A veces las ventanas se mezclan con la decoración, a veces el interior y el exterior se fusionan. Pero la respiración de este pintor nunca imita la realidad. Ella nunca se disocia de la presencia de la imaginación. Y nunca, hace cuatro años, Sam Keller se habría atrevido a soñar con reunir un cuarteto así para celebrar el arte de un niño del Norte (1869-1954) que encontró la “felicidad” en la luz.

El milagro se repitió con tres versiones de “Interior de la pecera” reunidas sin caer en la pereza de una simple llamada a la comparación. O con estos “Desnudo Azul”, recortables estrella de un pintor viejo, enfermo y obligado a reinventar un arte de “dibujar con tijeras”. Todos bailan, marcando la dinámica grupal de una obra obsesionada por la expresión. Sentimos su hermandad esculpida en la hoja de gouache, observamos su emancipación de la planitud, incluso las envidiamos por ser tan libres para llegar a lo esencial.

“Cuando recibimos una pieza, estamos súper felices. Luego viene una segunda respuesta positiva. E incluso un tercio, así que sí… rápidamente nos volvemos codiciosos”, se regodea abiertamente Sam Keller. ¡Hubo negativas! Este es el juego de las exhibiciones pero también aumentan la energía de las tropas para encontrar algo más. A negociar. Insistir, otra vez.

Los “Bañistas de la tortuga” –un lienzo tan sintético como denso, tan narrativo como enigmático– podrían dar testimonio de ello. Rara vez abandonan su entorno en el Museo de Arte de Saint-Louis, potencian el poder magnético del conjunto y nos hacen olvidar las reservas expresadas por los curadores de la última gran retrospectiva de Matisse en Suiza –hace dieciocho años en el mismo lugar– convencidos de haber “Tocó los límites de lo que es factible en términos de costos y seguros”.

prescindir de Rusia

Esta vez hablamos de una treintena de prestamistas por unas setenta piezas, procedentes de Estados Unidos y de toda Europa. Pero “La Danza” siguió colgada en San Petersburgo como una audaz obra maestra del siglo XX.^mi siglo. Como el triunfante “Desserte rouge” de Matisse, espíritu tutelar del núcleo de los artistas fauvistas.

“Por supuesto, si no hubiera habido guerra, habríamos solicitado préstamos”, responde Sam Keller. “Pero se trata de una cuestión de integridad, ahora no es el momento de colaborar con los museos estatales rusos. Al principio pensábamos en la dificultad de prescindir de ellos, pero con lo que hemos obtenido, susurra, realmente no faltan estos préstamos para recorrer y contar la historia de casi seis décadas de creación.

Una revolución en apenas diez años

Y empieza fuerte con “La deserte” (1896-1897), esta heredera de las lecciones impresionistas que sus propietarios accedieron a prestar por primera vez en treinta años. Enfrente, la idea de color, una sensación de luz, se cuela ya en la sepulcral “Nu au chausier rose” (1900) antes de iluminarse, jubilosa en “La terraza en Saint-Tropez” o experimental en el toque divisionista de “ Lujo, calma y voluptuosidad”, cuadro realizado el mismo año 1904. Sin seguimiento real, no encontrándose la singularidad deseada. Matisse lo encontrará viajando aún más lejos, a Oriente y en la intensidad emocional del color.

“Mostrar la importancia y el brillo de este desarrollo es una de las principales razones para hacer una retrospectiva”, señala su curador, Raphaël Bouvier. Paisajes, mujeres, odaliscas, naturalezas muertas, todos los temas desfilan a lo largo de este recorrido que alterna pinturas y esculturas para subrayar la dinámica de una obra que se autofecunda.

Además, siempre hay un Matisse en diagonal frente a otro, en el espejo o en la emboscada, prueba de la inspiración infinita del artista tanto como un guiño juguetón, incluso travieso, del curador. Como esta desnudez alargada que mira a otro con los ojos entrecerrados, capturada desde atrás. O este bosque de cabezas de bronce que fusionan una misma mirada en 360 grados. O incluso esta silueta esculpida que muestra mimetismo con la del “Gran desnudo reclinado”.

Es uno de los iconos del Museo de Arte de Baltimore y una de las tomas más bellas de la exposición de la Fundación Beyeler. Y como ocurre con todos los demás, excepto los gastos de viaje y seguros, no se gastó ningún dólar para obtener el préstamo. Puede que la práctica esté vigente en algunas instituciones estadounidenses, pero Sam Keller no funciona. “Cuando dejamos viajar una obra es en nombre de compartirla con el público. ¡El dinero nunca debería ser un motivo! No lo pedimos, no lo pagamos. Pero intercambiamos con mucho gusto, eso es lo que hizo posible liberar las piezas de Saint-Louis y Baltimore”.

“Una exposición copiosa”

Que la Fundación Beyeler contribuya al éxito de tal retrospectiva, el director no lo niega. El nombre es respetado en el mundo de los museos, cuenta con su confianza y una masa crítica de visitantes que lo apoya. Más allá de eso, no habría más secretos de fabricación que poder reunir los medios necesarios. Sam Keller admite que los seguros valoran “alrededor” los 2.500 millones de Gauguin colgados en 2015 y presenta aquí “una de las tres exposiciones más caras con este mismo “Gauguin” y “El joven Picasso” de 2019. “Hemos necesitado mucho apoyo, dice. Sin ellos, la exposición no sería tan copiosa”.

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